简析歌唱中的唱法与风格

所属栏目:舞蹈表演论文 发布日期:2018-12-12 15:38:11 论文作者:佚名
李唯一摘要:在今天我们所谈到的美声唱法,其也就是意大利文中的——Bel canto,我们可以用一句话来概括,那就是美声唱法就是混合声区唱法。这样的唱法不仅仅是影响着我们中国的声乐艺术的发展,同样它也对世界上其他国家的声乐艺术起着不可忽视的重

李唯一

摘要:在今天我们所谈到的美声唱法,其也就是意大利文中的——Bel canto,我们可以用一句话来概括,那就是美声唱法就是混合声区唱法。这样的唱法不仅仅是影响着我们中国的声乐艺术的发展,同样它也对世界上其他国家的声乐艺术起着不可忽视的重要影响。

关键词:美声唱法 混合声区 声乐艺术

中图分类号:J616 文献标识码:A 文章编号:1008-3359(2018)12-0028-03

一、歌唱中的唱法

世界上存在多种唱法吗?西方歌剧是有多种唱法吗?答案是肯定的。从极端的角度讲,可以说一个人就代表了一个唱法。西方的歌剧迄今为止已经产生了400多年了,艺术家们对唱法研究也已经有100多年了。

那么纯正的意大利唱法是什么呢?众所周知,意大利是一个盛产歌唱家的国度,特别是盛产男高音。现在被世界公认的拥有最纯意大利唱法的人是1890年出生的意大利男高音歌唱家——吉利。纯正的意大利唱法十分追求声音自然,不做作。吉利的声音就非常的自然,用一句耳熟能详的话来讲即“像讲话一样歌唱”。这里要强调一点是,自然的状态像讲话,不是共鸣像讲话一样,如果共鸣像讲话那就是口腔音了。我们所说的头声多一点和胸声多一点是相对的,要因人而异。

在意大利的教科书中,把男高音的声区分得很细,其可以分为低声区、中声区、混声区、头声区这四种。那么这么多种声区如何做到相对统一呢?第一,就是要保持好足够的气息;第二,面罩,意大利人希望把声音统一在面罩上,并且通过面罩来统一声区;第三,唱歌的声音要做到松、通、动——即声音松弛,通畅和流动,这些说起来容易做起来却很难,如果做到了那么声音就可以传得很远,有穿透力;第四,把握好元音。其实每一个元音都不在一个位置上面,如果我们想将其唱得相对统一,那么就要把他们都唱到面罩附近,如果元音不统一,就很有可能声音就不会传得远,没有穿透力。

那么意大利的歌唱方法要求怎么样的声音效果呢?第一,亮暗结合的声音,这句话的意思是亮代表面罩,暗代表混声,要把这两者有机的结合起来,就像我们中国的民歌追求亮音一样,各种唱法都是有其自己的要求的。第二,高位置自然的颤音。因为高位置颤音有很高音频,为什么要颤音呢?其效果是为了让声音传得更远,很多时候演歌剧的歌唱家是不用话筒的,乐队就像一堵音墙一样,高位子的自然颤音能够穿过乐队将声音传出去。

第三,相对统一的声音。这里就要做到统一元音即——统一a、e、i、o、u,歌唱时要打开喉咙,并且我们要理解打开喉咙不仅仅只是打开嘴巴。作为一个歌唱者,我们要善于根据自身的嗓音条件选择适合自己的歌唱方法。歌唱方法不止意大利唱法这一种,还有德奥唱法、东欧唱法、西班牙唱法等。例如,以多明戈为代表西班牙唱法,其歌唱时咽壁的力量用得就很多。如在歌曲《负心人》中,听帕瓦罗蒂和多明戈歌唱的对比时,就有很明显的感觉其唱法的区别,多明戈的声音到了高音时,声音的走向是往前压的,这是咽音唱法。纯粹的咽音唱法是进不了头腔的,这是咽音唱法的弊端,但是如果歌唱时又有咽音又有头声,这样的声音穿透力就很强。德国唱法对声音的要求是音量要大,但这种音量大很多是口腔音,这跟语言有关,因为德语就在喉咙里说得多。德语里面辅音也很多,因为辅音一旦多,声音就很难进入头腔拥有头声,要元音多,才容易进入头声。德国人对于面罩声的要求就没有意大利人对面罩声的要求这样强调。德国人注重口腔共鸣,其不像意大利这样注重面罩头腔。特别是在低声区,如果没有面罩音,声音就不统一,声音就会传得不远,没有穿透力。

唱歌时的最高境界就是自己唱和观众听都不感觉累,其次是自己虽然唱得累但是观众听着舒服不累,再次就是不但自己唱得很辛苦而且觀众也听得十分累。所以歌唱的正确方法是很重要的。歌唱时声音要有高位置,这样歌唱的声音才能长寿才能唱得更久,我们歌唱者,特别是学生们,一定不要满足于在教室里的声音,因为教室里的空间是有限的,这样不能判断声音到底传不传得远,唱歌时一定要想象自己是在舞台上,要做到将声音要唱远,要传得出去。当我们在练习元音演唱的时候,要学会感受,体会哪个元音唱着最舒服,再在这个基础之上练习。歌唱时口腔一定要松,不能紧,上下开的多大是根据音区来的,不能开得一直一样大。

什么是歌唱的自然?这是指通过学习过后的自然声音,即第二自然的声音,第一自然的声音是没有训练过的声音,第二自然的声音就是通过学习训练过后由原始自然达到不自然又到带着状态的自然的声音。

二、歌唱的风格

什么是歌唱的风格呢?一般来讲,时期就决定着歌唱的风格。世界上从第一部歌剧的诞生,同第一部歌剧首演的开始,一共有经历了四个时期,这四个时期分别为:1.巴洛克时期;2.古典主义时期;3.浪漫主义时期;4.现代主义时期。

(一)巴洛克主义时期

巴洛克主义时期的声乐风格要求是不追求音量,但是花腔炫技是第一要求,那一时期的歌曲可以不完全按照乐谱唱,随着个人技术提高,花腔可以根据自己的想法来改变,十分注重使用技巧,判断歌者的演唱水平往往是侧重在歌唱家的技巧方面。如歌曲《让我痛哭吧!》——巴洛克时期的音乐,就十分注意华彩乐句的处理。最早女人不能唱歌,所以就有了阉人歌手,到了18世纪末都还有,他们有的根据自己的能力改变了很多华彩,华彩是其第一要素。电影《绝代妖姬》就描述了那个时代的歌唱,当时的花腔是很自由的,其只要是在和弦里面歌唱者可以根据自身能力自由增加。

(二)古典主义时期

古典主义时期就十分注重音乐形式和故事内容的结合。在歌唱中华彩不允许随意发挥,其华彩都是作曲家写好的。相对来说其要求的是很严谨的,比如作曲家莫扎特创作的歌剧就要求严格按照谱面上的内容唱,但是在宣敘调方面,莫扎特的语言节奏考虑得相对欠缺一些,所以,我们唱他的宣叙调是要进行适当的二度创作的,因为莫扎特的歌剧有很多音符是等值的。如《美妙时光即将来临》的宣叙调部分,要按意大利语的语感来唱,意大利语的倒数第二个音节是重音所以要把重音唱出,不能绝对按谱面上唱成等值音符。要把莫扎特的歌剧唱好,就要注重连贯,即连线感要好,怎样能唱得连贯呢?重要的要素就是歌唱的位置和歌唱音量都不要变化,只要歌唱里出现声乐一大一小,共鸣位置一会前一会后,那么声乐就不连贯了。莫扎特的歌剧中,很多都描写的贵族,不管角色是谁,哪怕是仆人这个角色也是上层社会人,所以演唱时要尽量做到优雅一些,声音要连贯,声音大小尽量保持一致,谱面上有时高音的字不是重音,不要习惯性把高音唱得很重,这些都要注意。

如作曲家威尔第的作品中其重音感就都会出现,这种作曲和语言一致的感觉歌唱时就相对容易唱出来一些,但是作曲家谱曲时音乐也做不到和重音都完全能对得上,所以自己要懂语言,自己适合唱某种类型的歌要定向。

(三)浪漫主义时期

美声歌剧时期即浪漫主义时期,其演唱风格有三个最主要的特点,即要做到声乐连贯、灵巧,并且要把渐强渐弱做出来。

美声歌剧时期,也有很多花腔段落,这形式和内容上是结合的,美声歌剧时期要按照谱子上面的内容唱,这是风格上的要求。

如果没有能力变化声音,在这个阶段要回避方言性的歌曲,因为方言几乎都在口腔,不利于进头声。风格上要考虑你适合唱什么歌。男高音分为小号男高音、抒情男高音、戏剧男高音、假声男高音四种。女高音分为花腔女高音、抒情女高音、戏剧女高音三种。在选择歌唱作品时要在自己的类型范围内选择,比如有些歌剧如《蝴蝶夫人》,女主人公刚刚出场是一个才十五岁左右的小姑娘,其音色是单纯灵巧活泼的花腔女高音音色,但是随着剧情发展,女主人公经过成长后,她的音色就成了抒情戏剧女高音的音色。所以这就要求歌唱演员有驾驭花腔抒情戏剧这三种音色的能力,没有这种能力就演不好类似这样的角色。比较起来莫扎特的歌剧中的角色对其音色的要求就相对单纯一些。

(四)现实主义时期

到现实主义时期,比如普契尼的《冰凉的小手》《人们叫我咪咪》里面,其咏叹调里也很多喧叙调,所以不该连的地方就不能连。

三、结语

歌唱中我们所谈到的声音,这只是美声唱法歌唱的一个重要组成部分。除此之外,歌唱中的语言规范、旋律连贯、表现风格突出自然、歌唱演员以独创性来表现音乐的自我展示的能力等,这些都是我们在歌唱中所不可缺少的重要因素。

参考文献:

[1][美]维克托·亚历山大·菲尔兹.训练歌声[M].李维渤译.上海:上海音乐出版社,2003.

[2][意]弗·兰皮尔蒂等.嗓音遗训[M].李维渤译.上海:上海音乐出版社,2005.

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