音乐老师论文1500字

所属栏目:音乐教育论文 发布日期:2021-02-02 22:09:57 论文作者:佚名
音乐老师论文1500字第一篇论文题目:艺术综合视域下音乐教育的定位探析摘要:随着各个艺术门类的发展,到了如今知识爆炸的信息时代,艺术综合愈发重要,其既是提升大众艺术综合素养的

音乐老师论文1500字第一篇

论文题目:艺术综合视域下音乐教育的定位探析

摘要:随着各个艺术门类的发展,到了如今知识爆炸的信息时代,艺术综合愈发重要,其既是提升大众艺术综合素养的需求,也是音乐教育创新发展的新出路。文章在音乐教育的宏观视角下,不刻意区分各类型音乐教育的具体特征,整体侧重于普通学校的音乐教育,发散式地思考艺术综合视域下音乐教育的定位问题,包括音乐教育价值的多元化、音乐学科的结构调整、听觉素养的重新审视以及音乐科技的辅助与引导,既有对文献资料的剖析,也有对实践经验的总结。

关键词:艺术教育,艺术综合,音乐教育

说到艺术综合,原本看似一个伪命题。正如健康人类的感官无时无刻不在协同工作,人们感知世界从来都是融合了视觉、听觉、触觉等,并从中构建出美的定义。如音乐剧、电影到网综、短视频等,人们喜闻乐见的综合艺术形态也都是由多种艺术融合而成。音乐始终作为艺术的一部分存在于生活的方方面面,甚至在当下通过手机、无线耳机以及广播媒体越来越多地占据人们的时间和精神空间。

本文的综合视域并不是重点指代音乐与其他艺术门类的天然的联系,所谓的艺术综合包含两层含义,在当下社会思想、艺术思潮以及技术条件下,一层是指不同风格、地域、文化的音乐交叉,另一层则是音乐作为一门独立完善的学科和艺术概念,能动地与其他艺术门类融合。最终呈现的艺术形态并不仅是原始素材的堆叠,而是衍生出复合与创新,并为人们探究艺术本质提供听觉上的帮助。正如唐代禅宗高僧青原行思所述的参禅“三重境界”1。在人类社会步入“后现代”的今日,艺术综合的趋势可谓是“看山只是山”的返璞归真。诚然,就目前来讲,工业化的影响对音乐创作和音乐教育仍会长久持续,教学的规范化、内容的标准化、社会教育产业化及种类的细化等,都在推动着音乐教育趋向多元,信息时代的知识碎片化和教育形式的多样化甚至为音乐教育带来了焦虑:面对如此庞杂的知识、信息和方法,面对专业领域和普通教育领域前所未有的竞争压力,音乐教育到底应该走向何处?德国哲学家、美学家阿多诺曾指出:“工业化是艺术走向消亡的终点。”2当然,他的意图是希望探讨新时代的新艺术将怎样发展。教育部2011年印发的《义务教育艺术课程标准》中也指出:“引导学生在各门类艺术的联系中形成综合素质。”“艺术能力和人文素养的综合发展是艺术课程的总目标。”这体现了顶层对艺术综合的关注和设计。那么,在艺术综合视域下,或许音乐教育还有丰富的宝藏可供发掘。

一、音乐教育价值的多元化

音乐教育到底为了什么?这个问题有诸多解释,甚至不同年龄阶段都会有更加细化的目标。以普通学校的音乐教育为例,国内比较有代表性的观点,如教育部在2017版《普通高中音乐课程标准》中就提到音乐学科的核心素养,包括审美感知、艺术表现和文化理解三个方面。美国音乐教育家贝内特·雷默认为普通音乐课程的总目标是,“尽可能、最充分地培养每一个学生体验和创造音响的内在表现性的能力。”3作为艺术教育的组成部分,音乐教育不论专业领域还是普通教育领域,都应服务于全人教育或者综合素质的塑立。

而所谓的多元化,是与一元化对立。美国知名心理学家加德纳曾对于艺术教育中一元论思维提出批评。他把这种一元论归结为三种教育上的偏见——即西方主义、测试主义和精英主义4。西方主义是指盲目地将西方音乐文化当做偶像崇拜。虽然西方音乐几百年来已经建立了完善的理论体系和知识脉络,我国音乐教育的起步也是建立在学习西方音乐教育理论框架的基础上,但伴随我国音乐教育的蓬勃发展,这把双刃剑也逐渐展露出弊端。比如,许多音乐教师对西方音乐的知识储备远大于中国音乐和其他民族音乐,而建立在这种知识储备之上,是对西方音乐天然的亲近,并习惯性地以西方音乐理论和审美的标准审视和解释非西方音乐,使得非西方音乐的评判在这种相对单一的标准中处于劣势。测试主义偏重于音乐能力的可测量性,对于测量工具无法检测的能力,就认为这种能力不重要。我国从2015年开始对中小学校和中等职业学校学生进行艺术素质测评,目前正处于改革试水阶段。艺术素质测评为艺术教育纳入考试及升学体系、强化艺术教育在普通学校的比重提供了量化的评价标准,对我国音乐教育复杂而巨大的差异性而言,可谓是一剂良药。但如何避免实际操作中的唯数据论,使音乐教育步入应试教育的后尘,忽视主观体验和个性化评价,是需要在改革过程中始终保持警醒的。精英主义早已在近年来的音乐教育领域中被广泛讨论:孩子学音乐要不要走专业?不走专业是否意味着不需要太高的要求?相信很多音乐教师都过无数家长的咨询。所以,加德纳的总结对中国音乐教学体系来说,是“切中要害之言”5,需要音乐教育工作者全盘思考。

当前,“多元文化论”作为研究理念被越来越多的领域广泛采纳。在音乐教育中,破除以西方音乐为中心,强调世界各地音乐相互平等、相互尊重、求同存异的思想渐成主流。不同地域、不同风格的音乐融合形成新的音乐风格,以及音乐与其他艺术门类的交叉方式日益丰富,都影响了人们感知音乐、参与音乐和创作音乐的方式和观念。笔者尝试回到前面所述的音乐学科的核心素养,简单阐述对音乐教育价值多元化的思考。

首先是基于文化理解的审美感知多元化。“审美”这一概念由人文科学跨入音乐本体,意在强调对音乐作品艺术美感的教育,这对于我国高雅音乐的普及是具有积极意义的。然而,鉴于“审美”概念自身带有“纯粹美学”和“以欧洲为中心”的基因,对于“道德的、社会的、文化的、现实的,或其他非音乐结构性之间的联系”的“非音乐性聆听”理论诠释较弱5,使得20世纪后的许多现代音乐、非西方音乐以及即兴音乐、实验音乐等形式很难在音乐教育中像经典音乐一样被精细讲解。好在基于中国文化理解上的中国音乐在近年来伴随文化自信的方针被大力提倡和推广,文学、历史、戏曲、书画等文化及艺术层面的协同教育,以及各种媒体渠道的广泛支持,已帮助越来越多的大众在中国文化的浸润中,理解中国音乐的审美体系。这种思路在帮助破除“西方主义”偏见后,也会使大众从更加全面、客观的文化视角体会更多音乐类型的美感。

其次是艺术表现的多元化。传统的艺术表现体现在声乐作品、器乐作品的创作和表演上,而相关的评价也已较为完善,尤其通过教学、比赛、会议以及互联网渠道的频繁互动交流,评价上的主观盲目已相对弱化。不过,由于音乐的抽象性无法避免,同时现代音乐不断打破常规音乐语言,即兴、多媒体交互等形式不断突破音乐接受的“舒适区”,这些都增加了音乐表现的不确定性。倘若在音乐教育的评价不能考虑到这些,仍旧以固有的评价标准对教学成果和学生音乐能力进行测评,或许会影响到音乐教育的创新。当然,并非所有标新立异、哗众取宠的猎奇都具有创新意义,评价机制如何鼓励创新并做到优胜劣汰,营造一个积极的艺术表现氛围,非常考验教师和政策制定者的智慧。

二、音乐学科的结构调整

过去,我国的音乐学科,尤其是专业音乐教育的学科体系,多取经自苏联。上世纪,从附小、附中(艺术中专)到音乐学院(艺术学院)的培养体系,迅速为我国建立起一支专业的音乐人才队伍。同时,音乐学院(艺术学院)与知名师范院校一起,为我国普通学校音乐教育培养了大批教师。近年来,音乐专业从艺术院校到师范院校、普通院校不断扩充,甚至连各类工科、农业等院校都在新增音乐专业,规模和招生数量盛况空前。然而在貌似繁荣的景象下,就业形势并不算乐观,一方面,大量音乐专业的毕业生并没有获得在音乐行业生存的足够空间;另一方面,学校的教师岗位有限且竞争激烈,甚至社会音乐教育产业也已从蓝海变为红海。与此同时,在一些与音乐相关的新兴岗位如互联网企业、声学及音响企业、演艺行业等,音乐专业的学生面对知识结构更为宽泛的音乐爱好者,普遍没有过多的优势可言。事实上,从这一点也恰恰反映出,我国在音乐普及教育上的蓬勃之势。

关于音乐教育的前景,美国音乐教育家贝内特·雷默曾描述为两点,即“走向综合和通识音乐课程”和“走向综合的专业音乐课程”6。专业教育和普及教育(或者说通识教育)在人才培养目标上并不冲突,且具有长期共存的意义,但二者的地位和关系或许我们要重新思考。在过去资源、信息不够流通的时代,普通学校的音乐教育只能仰望专业教育,且比较依赖专业教育领域的指导。而如今,人们要承认专业教育领域和普通教育领域既相互独立又相互依存。在音乐教育理论和实践上,专业研究者与中小学教师之间更多变为探讨和相互学习的关系。在音乐表演方面,借助社会音乐教育的力量,普通学生也可以掌握不输于专业的技能水准。最重要的一点,二者都要“走向综合”。音乐在艺术综合中扮演的各种角色,都迫使音乐专业从业者不得不在音乐本体的技能和理论之外,关注音乐与社会、人文以及科学的联系,同样,这些视角也为非音乐专业人士进入音乐领域深造、研究和工作提供了机会,实现了人文社会科学、自然科学以及信息技术对音乐的渗透。这些年,在音乐及相关专业目录中,音乐人类学、电影声音、电子音乐制作、艺术管理、学前教育等交叉学科的兴起,体现了音乐教育的学科结构顺应时代的调整。在交叉学科的人才培养中,音乐基础的积累并非一朝一夕,所以在中小学艺术教育中,让音乐课程尽早涉猎艺术综合,让其他相关课程适当与音乐联合,才能实现未来复合人才的储备。

三、听觉素养的重新审视

在音乐作为核心教学内容的课程中,很多教师习惯于围绕音乐的欣赏、表演、理论和人文延伸等来设计,并调动视觉、身体律动等感官帮助学生对音乐的理解。这个过程中,虽然有一部分创造性的活动,但整体上是以音乐知识和能力的输入为主要目的。而在艺术综合的视域下,音乐则作为某一综合艺术形态(如戏剧、电影)的重要组成部分存在。虽然视觉、身体律动等仍然与音乐保持联系,但它们的地位更加平等,音乐往往更加纯粹地作为听觉艺术参与其中。为什么使用音乐,如何使用音乐,这里的视听关系又是如何?诸如此类的问题会越来越多地需要音乐教育解答。

另外,20世纪以来的创作理念和技术条件使音乐的范畴不断扩展。与视觉艺术的细分不同,听觉上但凡称之为艺术的,都可以用音乐概括。比如传统以乐音为主的音乐中,加入音响效果已成常态,再比如20世纪中叶诞生的以自然界音响为素材的“具体音乐”,以合成音色为素材的“电子音乐”等,使音乐与声音的边界逐渐模糊。面对这种状况,西方古典音乐的分析方法无从下手,甚至基于乐谱的现代音乐分析方法都未必能解释所有。或许借助解释学和格式塔心理学的研究理论,从音响听觉或是声音的本体出发,借助直觉去分析和理解这些音乐是一种可供探索的方向。音乐教育是否可以探讨如何重新唤醒学生的耳朵,借助多元的视听材料和辅助手段使他们保持听觉的敏感与想象,以及制定开放式的教学评价标准?

事实上,“音乐”这一概念如今本就是开放式的,凡是有一定规律的组织声音,并为其赋予意义,就可称为音乐。在人类孩童时期,对一切的声音都很好奇,且常常出现创造性的声音行为和解释。反而随着教育程度的增加,音乐的概念边界某种程度上约束了学生探索未知的可能性。在儿童音乐启蒙教学法中,奥尔夫的“声势”教学就尝试以节奏为基础,从朗诵入手,加入体感动态,将音乐、舞蹈、语言等融为一体,体现了其原本性和创造性的特征,在艺术综合视域下仍具有借鉴意义。

四、音乐科技的辅助与引导

当下音乐的创作、制作、播放及欣赏方式在科技的推动下呈现了诸多变化:首先是播放技术的高保真与高还原度。从高精度的采音录制到无损传输,再到环绕立体声甚至全景声,音视频的直观感受正在无限接近现场聆听,甚至还能营造出现场无法实现的效果。其次是音乐制作的便捷化。得益于音频软硬件技术的提升,在传统乐器领域,声音采样已大有取代真实乐器之势,而电子合成音色又是真实乐器难以实现的。加上AI技术使半自动作曲日益人性化,都使音乐制作的成本和技术门槛进一步降低,音乐创作者和制作人的数量与日俱增,年龄也趋于年轻化。再次,光纤和5G的高速传输,会更大地改变人们学习音乐和参与音乐的方式。比如YAMAHA已在钢琴自动演奏技术上实现了远程音乐会和远程教学,未来VR会让沉浸式演出变为可能。又比如交互式艺术,使音乐的发生过程被现场实时掌控,它的走向与发展充满了即兴与不确定,也重新定义了所谓作品的完整性。

音乐科技的种种进步,音乐教育都无法忽视。拿硬件设施来讲,虽然目前的音视频教学材料仍以立体声为主,但环绕声制式的高质量素材、网络资源以及电视直播也逐渐成为业界标准。音乐教室如可配备环绕声音响设备,会使学生的听觉感受产生质的飞跃。从音乐创作来讲,入门级的音乐制作软件已可以轻松地被中学生甚至小学生掌握,音乐创作课程的难度目前更在于教师的技术更新,而非硬件设施。并且,在艺术综合教育中,校园原创的剧目及微电影的配乐,都应在保护知识产权的基础上推广原创,尤其是学生的原创。从教学内容来讲,如今鉴于音乐的制作过程,具备一定的声学常识会成为学生聆听和认知现代音乐的保障,也应成为音乐分析的一个必要角度。总之,虽然从科技到艺术再到教育,技术和理念的传递需要一定时间,但音乐教育工作者必须以积极的姿态拥抱音乐科技,艺术生态才会永葆活力。

结语

在艺术的长河中,作品、风格以及门类不断推陈出新,音乐也是如此。但不变的是人耳通过音乐认知世界,人们借助声音表达世界。这是人的一种本能。因此,不论今后艺术如何发展,音乐教育的本质仍将是帮助人们使用好声音,为艺术、为文化赋能。

音乐老师论文1500字第二篇

论文题目:多元文化背景下的音乐教育研究

摘要:顺应多元文化背景的音乐教育是近年来国际上的学者们关注的重要问题之一,其总的意义是基于全球文化交流与发展的趋势,适应新的世界文化格局的需要。音乐学研究者指出:“在正规教育制度中,当代音乐课程和教学的多元文化要求继续向音乐教育工作者提出挑战……这种观念是多元文化背景中一种音乐教学的研究,它依据音乐民族学,也依据认知心理学的发展,在文化方面的复性社会(即由多数民族组成的社会)的正规教育制度中,它涉及音乐文化传播的性质。”

关键词:音乐教育,特色,目标

近十年来,中国对东方音乐的研究有了一定的进展,但目前国内从事东方音乐教学和研究的人员力量仍较单薄。东方国家或第三世界国家的音乐在中国音乐教育中的弱势,也是世界经济、文化发展不平衡在音乐教育中的表现。社会需要多层次的音乐人才,多元文化音乐教育目标视域下能够培养一批有本土情怀、有志于音乐文化发展的高水平、复合型人才。这是当前音乐教育面对的又一个挑战。

一、突出特色——发扬民族音乐文化

在课程建构的文化选择中,起到决定性作用的是文化的价值问题,学校音乐课程建构同样如此,什么样的音乐知识或音乐文化最具有价值是学校音乐课程建构首要考虑的问题。

中国在这种全球化的浪潮中发出向民族文化回归的呼声。20世纪90年代,国家领导人也在不同场合表达了对弘扬民族文化的倡导。在弘扬民族文化的呼声中,20世纪90年代的中国学校教育里,国学课程资源的开发与利用开始得到重视,民族文化传承日益引起教育界的关注,教育界开始探讨民族文化传承的理论与实践。

其实,在1995年中国第六届国民音乐教育改革研讨会提出弘扬以“中华文化为母语的音乐教育”之前,一些音乐教育家、民族音乐学家就以文化相对论理论作为出发点对“欧洲音乐中心论”进行了反思、批判,并提出了建立中国音乐教育体系的构想。为了建立中国音乐教育体系,首先是挖掘、研究、保存和介绍中国的民族音乐,学校音乐教育具有文化传承的功能,音乐类学生的课程建构是教育领域必须解决的文化选择问题,即选择什么样的音乐文化进入学校音乐课程之中是学校音乐课程建构的基本内容,没有音乐文化的音乐课程是不存在的,因为音乐课程是音乐文化的载体,音乐文化通过音乐课程得以传承和传播。

学校音乐课程“过程与方法”目标中的“体验”、“探究”、“模仿”、“合作”、“综合”本身就具有过程性,而不是机械、呆板的程式化。在这个过程中,当学生的音乐学习与自己的兴趣以及个人的音乐经验相关联时,学生便会越来越深入地探究既存的音乐知识,这个过程将促使学生终生爱好音乐和学习音乐。如“过程与方法”中的“体验”所说的“保护和鼓励学生在音乐体验中的独立见解”就彰显了要尊重学生的个性,因为对于音乐作品的体验不能用一个“标准答案”来规范,而如果我们在音乐教育中将学生的主体性和个性充分发挥,那么,学生在具体的音乐教育情境中的行为表现以及所学到的东西我们就无法准确预测和预知,而这恰好表明了学生对音乐感知、体验、审美、理解的多元性和非同质性,同时也表明了学生的创造性,也是核心价值观形成的一个过程。

教学原则是教学工作必须遵循的基本要求,是教师组织教学的准则和依据。音乐学科作为一门技术性和实践性非常强的学科,具有特殊的教学原则,作为音乐教学活动的主体和客体,即音乐教师和学生,都必须正确地贯彻教学原则,才能很好地完成教学任务,实现教学目的。教师需要始终如一地坚持以下几点原则:(一)、坚持理论与实践相结合的原则,处理好音乐理论与实践的关系。(二)、坚持艺术和技术相结合的原则,处理好艺术与技术的关系,在指导学生练就过硬音乐技术的同时,要引导学生充分理解作品,注重把控作品的艺术表现力。(三)、坚持因材施教的原则。

在音乐教学中,教师面对的每一个学生的自身条件、思想修养、演唱水平、个性趣味等均不相同,因此格外需要因人而异、区别对待,有的放矢地进行教学。这也是长期以来音乐教学始终遵循的原则。如在音乐教学中,需要遵循音乐教学规律,循序渐进开展教学活动,举个例子,有一句歌词,在歌剧《木兰诗篇》以及艺术歌曲《木兰从军》中都有出现,当然这句歌词也是以乐府诗《木兰辞》为基础的。“唧唧复唧唧,木兰当户织”这句歌词,在两个不同的版本中,体现出不同的声音状态。如果参考吕世浩先生在《秦始皇》这本书中的意见,“唧唧复唧唧,木兰当户织”的“唧唧”声,是由下文而来的,即“不闻机杼声,惟闻女叹息”。那么“唧唧”的声音就不是织布机的声音,反而应该是木兰叹息的声音。这里我们姑且按照吕世浩先生的说法,那么如果“唧唧”是木兰叹息的声音,声乐作品《木兰从军》(作词刘麟,作曲王志信)这个版本就显得没有这么准确。另一方面,如果“唧唧”按照课本中解释的,是织布机的声音,那么歌剧《木兰诗篇》(作词刘麟,作曲关峡)这个版本也显得没有这么准确。所以,声乐的知识在某种程度上,也是需要考证它的内在文本和音乐的联系的。因而一个欣赏者,如果看了吕世浩先生的论述,就更喜欢《木兰诗篇》这个版本的歌唱,而如果他没有看过,肯定会觉得《木兰从军》这个版本更准确。可见,不同的人有着不同的音乐经验,自然会表达出不同意义的审美。教师要尊重学生的个性,主导课堂教学,充分发挥学生的主观能动性,引导学生掌握演唱技巧与音乐理论,充分理解音乐作品的情感,以便形成并提升其音乐表演实践能力,并以教师自身严谨治学的态度在潜移默化中对学生产生熏陶与影响。

大学艺术学院音乐教学的目标是培养专业的歌唱演员,即通过在校期间全面系统的技术训练和理论教学,使学生能够系统地掌握本专业所必需的基本理论知识、专业知识和演唱技能,将其培养成为具有较高演唱水平和人文艺术素养的演唱专业人才。因此,在音乐教学过程中,教师需始终明确教学目的,按照音乐人才培养目标,树立正确教学理念,孜孜以求,将教学目标落实到位,主动规避一直以来音乐教学中存在的理念误区,如“重技术,轻艺术”、“重技巧,轻理论”、“重声音,轻语言”、“重演唱、轻教学”等,自觉调整平衡教学内容,加强音乐理论学习,提升人文素养,培养学生全面发展。因此,我们对于音乐课应该有一个全面的认识:要把观念、思想、意识作为一条主线贯穿于音乐基础理论课教学中,注重、强调音乐的“文化”观念、意识,使学生理解音乐理论课程的目的不是单纯地学习枯燥的理论。我国着名的声乐教育家姜家祥教授的学习与教学经历就是验证声乐技能学习与文化相互融合的重要性的绝好范例:不仅具有良好扎实的西洋声乐技能与理论基础,并身体力行编写出大量练声曲运用于声乐教育。

二、重视课堂教学环节,精心选择教学模式

音乐教学分为课堂教学和实践教学,其中课堂教学作为音乐教学的基本形式,是完成音乐教学任务的基本途径,是音乐教学模式和教学方法的具体实施过程。音乐课堂教学过程中,学生在教师有计划、有目的的指导下,系统学习歌唱技能与理论知识,并依据所学演唱技能,形成自己的演唱风格,获得理论知识与审美趣味的提升,构建起自身专业素养,即教育界常说的“贵在得法”。目前的音乐教育教学依然是“封闭式”教学,以灌输式、认同式、封闭式的知识、技能传授为主,以“教师、教本”为中心,一本教材是音乐教学的全部家当。教师既要给同学范唱,还要滔滔不绝地针对学生出现的问题进行经验式的讲述、指点,缺乏直观形象化的效果。除了重点的技能性知识外,教师没有过多的时间广泛涉猎相关音乐教学信息,仔细推敲教学步骤和授课方法,又加之高校招生规模的扩大,使得师生比越来越不协调,在没有切实可行的现代化教学技术手段帮助的情况下,仅靠教师目前的教学方式在有限的教学时间内对音乐知识、技能进行传授、讲解,是难以让学生短时间内较好地掌握音乐专业知识、技能技巧的。

作为音乐教学的一线工作者,笔者认为,课堂是能够展现教师职业素养与职业能力的重要场所,也是决定音乐教学质量的主要阵地。因此,在音乐课堂教学过程中,教师与学生始终需要秉持工匠精神,重视课堂教学的每一个具体环节,精心选择适合彼此互动合作的教学模式。

从教师的角度来说,要逐一分解、认真对待课堂教学的各个环节,研究推敲从备课、教学设计、课堂讲授到布置作业的每一个步骤,反复实践,并养成善于反思的良好习惯,以便随时调整教学方法与策略,做到心中有数,精益求精。教师在开展课堂教学之前,要做好充足的准备,深入把握自己所教学生的特点,在吃透音乐教材的前提下,因人而异,进行合理的教学设计,根据学生不同的嗓音条件制定不同的教学方案和训练计划。在课堂上充分发挥教师的主导性,善于科学地组织课堂教学,明确每一节课的训练目标,并以此确定每一节课的训练方法,周密设计好每一节课的每一个环节,如歌曲选择、呼吸发声、节奏停顿、表演身姿等,并及时分析教学重点和难点,进行合理教学评价,使学生的歌唱能力循序渐进地随着教师的教授不断发展和提高。同时,音乐教学是一个十分枯燥的过程,因此教师在课堂上要充分调动学生的主观能动性,提高学生的学习兴趣,艺术性地启发学生形成积极进取、自觉主动的学习态度,培养学生独立思考的能力,以便提高教学效率和教学质量。从学生的角度来说,要想在教师的引导下更好、更科学地掌握音乐演唱技巧与相关理论,首先要尊重信任老师,了解自己的嗓音条件与特性,做到课前预习,课上保持专注热情,认真学习掌握每一节课的教学要点与知识点,充分调动想象与实践能力,按照老师的指导刻苦训练,对自己在歌唱技能上存在的问题和不足要坦然面对并积极求教,课后主动复习,认真完成老师布置的作业,进一步巩固和消化每一堂课中所学到的知识。

结语

综上所述,音乐教育的基本价值在于通过音乐审美活动去体验蕴含于音乐中的美和丰富情感,并与之产生强烈的共鸣。因此,在音乐教学实践活动中,教师应运用音乐教学的特点来激发学生的想象力,培养学生的创新意识和创新精神,充分挖掘学生的潜能。

参考文献  

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